
Als Schauspieler ist es unsere Aufgabe, das Gefühlsleben einer Figur zu spielen, uns die Umstände vorzustellen, unter denen die Figur bestimmte Dinge tut, und das alles, indem wir unseren Körper einsetzen, um es für das Publikum sichtbar zu machen.
Manchmal müssen wir tief in den Abgrund emotionaler Tragödien eintauchen, Menschen auf der Bühne töten, selbst getötet werden, manchmal Abend für Abend, immer und immer wieder; verzweifelt in jemanden verliebt sein, der uns nicht liebt, oder in jemanden, der uns liebt und den wir nicht wirklich mögen oder lieben. Die Bandbreite nimmt in beiden Richtungen kein Ende.
Wie können wir das von unserem eigenen Leben fernhalten? Wie machen wir einen Unterschied zwischen unserem Leben und dem Leben der Figur, wenn es manchmal so scheint, als hätten wir so viel gemeinsam? Oder dass wir schon immer das sagen oder tun wollten, was unsere Figur auf der Bühne tut oder sagt?
Ich habe mit der Zeit gemerkt, dass ich das Drama nicht auf der Bühne lasse, sondern es mit nach Hause nehme.
Ich betrachtete das Theaterspielen als eine Art Therapie, da ich nicht sehr kontaktfreudig war, wenn ich nicht auf der Bühne stand, also genoss ich die scheinbare Freiheit, in der ich Dinge tun konnte, die ich im Alltag nicht tun würde.
Aber was passierte, war, dass ich eine Form von emotionaler Bandbreite kultivierte, von der ich überzeugt war, dass sie mir als Schauspielerin zusteht, denn ich kann nur auf der Bühne leben, was ich auch abseits der Bühne leben kann, richtig? Das dachte ich zumindest.
So verwandelte sich die Schüchternheit in Aggression gegenüber anderen, wenn ich das Gefühl hatte, dass sie falsch oder dumm oder inkompetent waren, und den Liebeskummer, den ich abseits der Bühne erlebte, nutzte ich, um mein Schauspiel auf der Bühne zu intensivieren.
Aber ist das nicht genau das, was Method Acting ausmacht, könnte man fragen? Sollen wir nicht unsere eigenen Erfahrungen nutzen, um eine Figur mit Fantasie und Vorstellungskraft zu füllen? Das sind alles berechtigte Fragen.
Und jeder hat seinen eigenen Weg, um dorthin zu gelangen, wo der Regisseur ihn haben will.
Wir denken, dass wir in unserem Alltag super emotional sein müssen, damit wir Zugang zu all den Emotionen haben, wie ein Speicher, den wir beim Schauspielen nutzen können.
Ich habe die Erfahrung gemacht, dass das gar nicht nötig ist.
Das Gegenteil ist der Fall - je weniger Drama ich in meinem Leben habe, desto freier bin ich, einer Figur auf der Bühne Leben zu verleihen, denn dann gibt es kein Durcheinander und keine Verwirrung, wer ich bin und was die Figur ist.
Ich habe erkannt, dass ich umso freier war, dem Publikum eine Darbietung zu geben, die frei von meinem eigenen Ballast und voll von der Figur war, je mehr ich all die unverarbeiteten Themen heilte, wie das Streben nach Anerkennung, das Gefühl, nicht gut genug zu sein, das Vergleichen und Konkurrieren, das Bedürfnis, mich selbst zu beweisen ... Ja, mein Körper wurde und wird benutzt, aber das, was durchkommt, kommt genau in diesem Moment durch, ohne dass ich mich vorbereiten muss, abgesehen vom Lernen des Textes natürlich, aber es fühlt sich an, als käme es nur durch, ohne dass es haften bleibt oder mich beherrscht.
Und wenn ich das Gefühl habe, dass das doch der Fall ist, dann kümmere ich mich darum, indem ich wieder meinen eigenen Gang gehe und in meinem eigenen Rhythmus hinter der Bühne atme oder meinen Körper und seine natürlichen, sanften Bewegungen wieder spüre und mich mit ihnen verbinde und nicht etwa mit den angespannten Bewegungen der Figur.